Christoph Amend, Redaktionsleiter des Zeit Magazins, versucht zu ergründen, wie Oliver Mark es schafft, dass sich der Künstler Jeff Koons vor seiner Kamera so lange verbiegt, bis er lachen muss oder wie er den Theaterintendaten Claus Peyman dazu bewegt, sich in seinem Garten in Berlin-Pankow mit einer Krone auf dem Kopf und rotem Königsumhang zu präsentieren. Das müsse wohl an dem ruhigen Wesen und dem milden Lächeln von Oliver Mark liegen, wenn er versucht, die Personen vor seiner Kamera von seiner Bildidee zu überzeugen.

© Oliver Mark / Hatje Cantz Verlag: Siegmar Gabriel Berlin 2007

© Oliver Mark / Hatje Cantz Verlag: Anthony Hopkins Berlin 2001

© Oliver Mark / Hatje Cantz Verlag: Oliver Pocher Berlin 2007

Oliver Mark ist 1963 geboren und hat für Zeitschriften wie Cosmopolitain, Elle, Stern, TIME Magazine, Zeit Magazin, Vanity Fair und Vogue gearbeitet. Dabei hat er im Laufe der Jahre sehr viele Künstler, TV-Stars, Wissenschaftler, Politiker, Sportler und Schauspieler vor seiner Kamera gehabt. (siehe die Portrait-Liste auf der Website von Oliver Mark).

Oliver Mark fotografiert die Personen vor seiner Kamera nicht einfach, sondern er inszeniert sie, lässt sie eine Rolle spielen: Tatjana Gsell posiert selbstironisch auf dem Operationstisch eines Schönheitschirurgen, Oliver Pocher stellt das berühmte Schwangerschaftsbild von Demi Moore (fotografiert von Annie Leibovitz ) nach, Sigmar Gabriel posiert in einem künstlichen Wald mit ausgestopften Rehen und Nadja Uhl hängt kopfüber in einem Baum.

Oder er stellt die beiden Sänger Marilyn Manson und Max Rabe auf einem Foto einander gegenüber und beobachtet, wie sie sich gegenseitig mustern.

Das Buch zeigt auf 192 Seiten einen repräsentativen Querschnitt aus den Arbeiten der letzten Jahre und ist mit dem Format 25 x 32 cm und einer Fadenbindung hochwertig ausgestattet.

Hatje Cantz Verlag, ISBN 978-3-7757-2484-5, 39,80 Euro

Weitere Informationen bei Amazon

© Fotografr, 2009. | Permalink | | Blog-ID QKPBT38LP

Cora und Georg Banek lassen uns an ihren Fotoshootings teilhaben und vermitteln so nebenbei ein umfassendes Wissen über die People-Fotografie. Dabei lassen sie auch nicht aus, über eigene Misserfolge zu sprechen, über Fehler, die sie gemacht haben und aus denen sie gelernt haben.

Sehr viel Wert legen die Autoren auf die sorgfältige Shootingplanung, eine bewusste Festlegung der Bildsprache und den Umgang mit den (meistens unerfahrenen) Modellen.

Alle Shootings werden nachvollziehbar geschildert. Es werden Namen von Modellen (zum selber kontaktieren) und Visagistinnen genannt sowie in vielen Fällen die genaue Fotolocation beschrieben. Alle eingesetzte Techniken werden so beschrieben, dass auch Einsteiger damit klarkommen und zur Nachahmung animiert werden.

Der Schreibstil im Buch ist unterhaltsam, manchmal ein wenig zu banal (” … vor dem Fotoshooting packen Sie Ihre Fototasche …”, ” … zur Locationsuche ziehen Sie feste Schuhe an …”), aber auch erfahrene Fotografen finden wertvolle Anregungen und Tipps.

Dem Buch ist eine DVD beigelegt, die aber leider nicht die Shootings zeigt, sondern die Photoshop-Trainings von Maike Jaretz zur Portrait-Retusche beinhaltet. Schade, hier wurde eine gute Möglichkeit verschenkt: Shooting-Making-Ofs auf Video / Youtube gehören heute eigentlich zum Standard.

In einem weiteren Teil des Buchs werden die Arbeiten von 20 Fotografen vorgestellt, die sich der Aufgabe gestellt haben, eines von vier vorgegebenen Themen zu visualisieren (“Ein glücklicher Moment”, “Was Kinder lieben”, “Das macht Angst” oder “Darüber lässt sich streiten”). Diese Aufgabe ist von den beteiligten Fotografen sehr unterschiedlich gelöst worden. Eine gute Übung für die Leser ist sicher, sich selber zu überlegen, wie sie die Aufgabe angehen würden, bevor sie auf die Ergebnisse im Buch schauen.

Das Buch liefert auf 350 Seiten eine große Menge an Informationen, Anregungen und detaillierten Beschreibungen und ist für alle, die sich mit der Fotografie von Menschen beschäftigen (möchten), eine sinnvolle Investition.

Eine Leseprobe gibt es beim Galileo Verlag und kaufen kann man das Buch bei Amazon.

© Fotografr, 2009. | Permalink | 2 Kommentare | Blog-ID QKPBT38LP

Von Viktor Dite

Gibt es Menschen, die besonders fotogen sind? Ist das Fotogen-sein eines Modells das Erfolgsrezept für ein gutes Foto? Ist die Fotogenität überhaupt greifbar? Ist sie nicht bloss subjektiv?(...)

Weiter lesen: Fotogenität – oder: Wann ist ein Mensch fotogen?

© Fotografr, 2009. | Permalink | 10 Kommentare | Blog-ID QKPBT38LP

Kerstin Mumm beschreibt, wie sie ihre Liebe zur Babyfotografie entdeckt hat und wie ihr Fotos gelingen, die sich vom Durchschnitt abheben.

Babyfotografie aus meiner Sicht

Von Kerstin Mumm

Eigentlich war mein Masterplan, als freie Künstlerin in der Weltgeschichte rumzutingeln, Fotos zu machen an seltsamen Plätzen, Bilder zu malen im Morgengrauen……aber natürlich kam alles ganz anders……ich bin mit meinem Freund zusammengezogen -auch Künstler, welch Glück!- und wurde schwanger. Mein Plan lief trotz allem noch im Hinterkopf. Aber anstatt Architektur und Städte zu knipsen, wurde meine Tochter mein Lieblingsmotiv. Und daraus entstand dann die Idee, mich damit selbständig zu machen.

Gelernte Fotografen in diesem Bereich gibt es genug. Es gibt auch genug Bilder, von hingesetzten Babys im Blitzlicht, oder unter Scheinwerferlicht. Das wollte ich alles nicht. Ich wollte natürliche Bilder, wie sie der Realität entsprechen. Und ich will den Eltern das Hetzen zum Fotostudio ersparen. Und außerdem -das Wichtigste wahrscheinlich- hab ich ganz einfach einen anderen Geschmack als die Durchschnittsmami, die ihr Kind einmal im Leben, süß, mit Schleifchen im Haar, beim Fotografen sehen will. Irgendwie sollen meine Bilder rocken oder verträumt sein, oder alles auf einmal!

Wichtig ist mir das Gefühl und die Stimmung auf den Bildern. Man muss merken, dass das Kind sich wohlfühlt und dass ich es in seinem Spiel oder in seinem Tun allgemein nicht störe.

Meine Herangehensweise dabei: Das Baby darf sich nicht von der Kamera ablenken lassen. Wenn es überhaupt nicht gewohnt ist, fotografiert zu werden, schaut es meist erstarrt in die Kamera, als gäbe es kein Morgen, kein anders spannenderes Objekt auf dieser Welt! Und wenn jemand noch kein Baby starren gesehen hat: es starrt minutenlang ohne mit der Wimper zu zucken in die Linse und selbst Ablenkungsmanöver ignoriert es. Nix zu machen! Es starrt weiter! Das bedeutet: Geduldig sein ist das A und O! Die Kamera also erstmal weglegen, nicht auf die Uhr gucken und smalltalk mit den Eltern führen. Übrigens für mich eine der schwersten Begebenheiten. Gut wenn man jemanden kennt, der Psychologie und Coaching studiert hat, und Menschen, die zwar hinter der Kamera alle Scheu verlieren, sich aber ohne schüchtern dahin bewegen, die Angst etwas nehmen kann.

© Fotografr, 2008. | Permalink | 9 Kommentare | Blog-ID QKPBT38LP

Viele existierende Workshops oder Tutorials, die sich mit der Studiofotografie beschäftigen, befassen sich ausgiebig mit der Studiotechnik, erläutern die Wirkung von diversen Studiolichtformern oder zeigen die unterschiedlichsten Studioaufbauten. Leider werden bei den Meisten die elementaren Grundregeln nicht erklärt bzw. die Hinweise auf die typische Anfängerfehler weggelassen. Schlimmer noch: diese Fehler fungieren manchmal sogar als Beispiele!

Dieser Artikel soll eine erste Hilfestellung für die Portraitfotografie im Studio geben. Ich erkläre die Lichtführung anhand der Studioblitze. Allerdings ist es relativ egal welches Licht Sie einsetzen: seien es Studioblitze, Dauerlichtquellen oder einfach das Licht aus dem Fenster. Die grundlegende Zusammenhänge bleiben gleich. Obwohl dieser Artikel das Thema nicht komplett erläutern kann, sollen die hier dargelegten Grundlagen eine Basis für die ersten Experimente bieten. Natürlich sollen Sie den meisten Regeln nicht zu penibel folgen. Aber es ist immer gut, zunächst die Folgen zu kennen, bevor man die Regeln bricht

Noch eine Bemerkung: in diesem Beitrag verzichte ich bewusst auf den Umgang mit dem Belichtungsmesser im Studio. Obwohl ich dieses Thema für sehr wichtig halte, wird das den Rahmen dieses Artikels sprengen. Dafür gibt es später ein gesonderter Artikel. Lesen Sie dazu Lichtführung und Blitzbelichtungsmesser.

Zwei Tipps zum Posen

Die meisten Menschen erscheinen viel massiver, als sie in der Wirklichkeit sind, wenn man ihren Körper frontal fotografiert. Bitten Sie das Modell sein Körper leicht zu drehen, achten Sie aber darauf, das die hintere Schulter noch zu sehen ist. So bietet der Körper genügend „Tragfläche“ für den Kopf.

Ein weiterer typischer Fehler: die portraitierende Person wird zu nah am Hintergrund platziert. Das Modell bekommt in diesem Fall genau so viel Licht wie der Hintergrund. So entgeht dem Fotografen die Möglichkeit den Beleuchtungskontrast zwischen dem Modell und dem Hintergrund gezielt zu steuern: also den Hintergrund nach Belieben heller oder dunkler zu machen (siehe dazu „Schwarzer Hintergrund“). In der Regel soll der Abstand zwischen der portraitierenden Person und dem Hintergrund zwei bis drei Meter betragen.

Lichtführung: worum geht es eigentlich?

Bevor wir die Lichtführung besprechen, stellen wir uns zunächst die Frage, was wir eigentlich erreichen wollen? Beim Einrichten des Lichts geht es nicht darum jemanden möglichst gut auszuleuchten, sondern zu versuchen, ein dreidimensionales Objekt auf einem zweidimensionalen Medium gut darzustellen. Die Form wird mit Hilfe von Licht und — ganz wichtig — Schatten modelliert. Ohne Schatten kann kein Volumen auf einem Foto entstehen.

Die allgemeine Zusammenhänge erläutern wir anhand des Rembrandtlichts. Dieses Lichtschema eignet sich auch sehr gut, um einem Anfänger die Angst vor Schatten zu nehmen.

Hauptlicht

Als erstes richten Sie das Hauptlicht — bekannt auch als Führungslicht — ein. Das Hauptlicht ist die dominierende Lichtquelle. Sie bestimmt den Schattenwurf und trägt somit entscheidend zum Endergebnis bei. Platzieren Sie die Hauptlichtquelle so, dass das Modell seitlich von oben ausgeleuchtet wird. Bewegen Sie nun die Lichtquelle vertikal und horizontal solange, bis Sie ein für das Rembrandtlicht typisches Lichtdreieck unter einem Auge erhalten. Idealerweise ist das Dreieck nicht breiter als das Auge und etwas kürzer als die Nasenlänge. Die untere Grenze des Nasenschattens verläuft oberhalb der oberen Lippe. (Bewegen Sie die Maus auf das Bild, um die Hilfslinien zu sehen). Ein Tipp: Kneifen Sie Ihre Augen zusammen, wenn Sie den Schattenverlauf beim Setzten des Lichtes nur schwer beurteilen können. Beim weichen Licht oder einem schwachen Beleuchtungskontrast ist das oft der Fall. Durch diesen Augentrick wird der wahrnehmbare Kontrast erhöht und die Schattenform kann besser gesehen werden.

Auf dem linken Bild von Rembrandt sehen Sie die Volllicht-Variation (broad lighting). Das Hauptlicht beleuchtet die uns zugewandte Gesichtshälfte. Folgende Besonderheiten können hier erkannt werden: Durch den steileren Lichteintrittwinkel wird die Hautstruktur gleichmäßig und insgesamt schmeichelhafter wiedergegeben. Allerdings passt diese Variante eher für schlanke Modelle, da das Gesicht insgesamt etwas breiter, als es in Wirklichkeit ist, erscheint. Das zweite Bild zeigt das schmale Licht (short lighting). Wie der Name schon sagt, wird hier die von uns abgewandte „schmalere“ Gesichtshälfte vom Hauptlicht beleuchtet. Das Gesicht erscheint insgesamt schlanker. Diese Variante wäre beispielsweise bei einem Modell mit einem breiten bzw. runden Gesicht vorzuziehen. Generell kann man mit dem schmalen Licht wenig falsch machen.

Zwei weitere Bilder illustrieren typische Fehler beim Setzten des Hauptlichts. Auf dem linken Bild ist die Hauptlichtquelle zu tief platziert. Der Nasenschatten ist zu dominant und einfach unschön. Ihre linke (für uns rechte) Wange wirkt unruhig durch den Lichtfleck, der mit gelb markiert ist. Das rechte Bild zeigt eine zu hohe Platzierung der Hauptlichtquelle. Der Nasenschatten geht über ihre Lippen. Die Lichtreflexe in den Augen sind kaum zu erkennen. Die Augen verlieren dadurch ihre Lebendigkeit.

Wie nah soll ein Hauptlicht an ein Motiv platziert werden? Der wichtigste Zusammenhang, den man immer im Hinterkopf behalten soll: Die Lichtintensität fällt quadratisch mit der Entfernung ab. Also, je weiter eine Lichtquelle von einem Motiv entfernt ist, um so unauffälliger ist der Abfall der Lichtintensität im Bereich des Motivs. Als Folge wirkt die Ausleuchtung gleichmäßiger. Ein typischer Abstand zwischen einem Motiv und einer Hauptlichtquelle bei einem Sitzportrait wäre beispielsweise ein Meter. Um ein Gesicht zu betonen und die Hände leicht in der Dunkelheit zu versenken, kann der Abstand bis zu 20-30 cm verringert werden. Für eine gleichmäßige Ausleuchtung vergrößert man den Abstand auf 2-3 Meter. Die „Gleichmäßigkeit“ des Lichts kann man am einfachsten mit einem Belichtungsmesser überprüfen. Man macht einfach eine Lichtmessung an den entsprechenden Stellen und vergleicht die Ergebnisse. Irgendwann entwickelt man ein Gefühl, wie der Abstand auf die Gleichmäßigkeit des Lichts auswirkt.

Aufhelllicht

Fotografieren Sie in einem abgedunkelten Raum, so weisen die ausgeleuchteten und die im Schatten liegenden Partien einen hohen Beleuchtungskontrast auf. Mit Hilfe von Aufhelllicht kann der Beleuchtungskontrast und somit die Stimmung eines Bildes nach Belieben gesteuert werden. Bei einem dramatischen (Männer)Portrait fällt der Kontrast höher aus. Um ein weibliches Portrait romantischer zu gestallten, kann der Beleuchtungskontrast durch stärkeres Aufhelllicht verringert werden.

Das Aufhelllicht soll vorhandene Schatten aufhellen, dabei aber keine Neuen erzeugen. Aus diesem Grund wird dafür eine großflächige Lichtquelle mit weichem Licht verwendet. Die Anfänger platzieren das Aufhelllicht oft auf der dem Hauptlicht gegenüberliegenden Seite. Die Intention ist dabei die Schatten möglichst gut aufhellen zu können. Allerdings steigt dadurch die Gefahr Doppelschatten zu erzeugen. Um das zu verhindern, soll das Aufhelllicht möglichst nah an der Objektivachse platziert werden: neben oder auch über der Kamera. Gegebenenfalls können die Schatten, die noch immer existieren, zusätzlich mit einem Reflektor aufgehellt werden.

Hintergrundlicht

Zusätzlich kann der Hintergrund leicht beleuchtet werden, um dem Bild mehr Raumtiefe zu verleihen. Am besten ist dafür eine kleine Softbox oder ein Reflektor mit Waben geeignet. Die Lichtintensität des Hintergrundlichts soll nicht zu stark ausfallen. Es geht darum den Hintergrund nur leicht zu betonen.

und Klick…

Es existieren mehrere Möglichkeiten einen Studioblitz beim Fotografieren auszulösen:

* Sie verbinden Ihre Kamera und einen Blitzgerät mit einem Blitzsynchronisationskabel. Das ist eine günstige und zuverlässige Lösung, die zunächst vielleicht etwas archaisch anmutet Sollte ihre Kamera keinen Synchronisationskabelanschluß aufweisen, können Sie einen Adapter für den Kamerablitzschuh nutzen.
* Weiterhin ist es möglich, einen Infrarot-Auslöser zu verwenden.
* Die wohl beste, aber auch die teuerste Möglichkeit stellen die Funkauslöser dar.

Die Belichtung im (abgedunkelten) Studio steuern Sie ausschließlich nur über die Blende. Die Blitzdauer ist in der Regel kürzer als die Blitzsynchronisationszeit der meisten Kameras. Stellen Sie Ihre Kamera in den manuellen Modus und die Verschlusszeit auf 1/125 Sekunde.

Digitalfotografen können sich nun an die korrekte Belichtung über die Wahl der Blende und die anschließende Beurteilung des aufgenommenen Bildes herantasten. Die Besitzer der Analogkameras machen eine Lichtmessung mit dem Blitzbelichtungsmesser vom Modell Richtung Kamera, um einen Blendenwert zu ermitteln.

Ich wünsche nur noch viel Spaß bei Ihrem ersten Studioportrait!

Autor: Alex Penner, Camouflage Studios

Weiterführende Literatur

Basiswissen Fotografie: Licht & Beleuchtung: BD 2

Fotopraxis: Menschen & Porträt

Licht und Beleuchtung: Kunst- und Tageslicht, Beleuchtungstechnik, Bilder gestalten

© Fotografr, 2008. | Permalink | 16 Kommentare | Blog-ID QKPBT38LP